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NOTICIA_PERCEPCIONES SONORAS EN LA OBRA DE ANA PÉREZ VENTURA_Fátima Otero

FÁTIMA OTERO - 02/10/2022

Percepciones sonoras en la obra de Ana Pérez Ventura

 

A lo largo de la historia son muchos los artistas interesados en expresar la experiencia del sonido y la música a través de la pintura. Ana Pérez Ventura lleva años empeñada en traducir a nivel visual la experiencia no visual que define a la música. Comparte de forma interdisciplinar ambas facetas de la cultura para explorar valores sinestésicos y los conceptos del sonido a nivel plástico.

 

Su larga serie Études iniciada en 2007 en la que aún sigue trabajando e investigando, alude a los conocidos “estudios” o partituras que los grandes compositores destinan al aprendizaje de un instrumento con la finalidad de alcanzar virtuosismo musical. Después de tantos años se ha enriquecido con mayor presencia colorida aproximándose a las ideas orfistas sobre el sonido del color.  A sus más relajantes y majestuosos azules la artista ha incorporado mayor vibración tonal a base de melancólicos violetas engarzados en unos más enérgicos amarillos, siempre en aras de transmitir emociones humanas más excitantes y vivaces.

 

Ana condensa el tiempo en forma enmarañada a la manera de Pollock, para intentar transmitir una resonancia y armonía musical.  Para ello se sirve del uso del patrón, un punto o círculo gestual como metáfora del tiempo se reitera cadenciosa y rítmicamente de manera procesual hasta el límite del lienzo, una y otra vez. Le sirve de guía un particular rotulador relleno de acrílico con el que traza sus meticulosas y preciosistas marcas lineales.

 

 La pulsión e incisión sobre el lienzo sumadas a las sucesivas capas de barnices y veladuras con las que cubre cada estrato de la tela en sugerentes envolturas de emociones y sensaciones internas están cargadas de memoria. Como pianista profesional, esta compositora practica durante horas y horas el gesto de tocar el piano a base de movimientos circulares. Esos resortes técnicos y prácticos de concentración mental los traslada al lienzo a base de giros. Lo hace sin levantar su particular lápiz pictórico, que ella misma crea, girando y entrelazando la línea por un camino sinestésico que recrea la experiencia musical. Lo etéreo se hace corpóreo y textural para invitar a todo espectador sensible a presentir la sugerencia melódica.

 

Evidentemente, la realidad de la artista está configurada por sus memorias, emociones y percepciones particulares que plasma vía abstracta.  Su obra siempre alude a títulos musicales que intentan crear correspondencias visuales de composiciones célebres al piano. Es lo que sucede con la serie, también extendida en el tiempo Notages y que da título a la muestra Tourner la page(pasar la página) que se puede visitar entre septiembre y principios de octubre de este año en la compostelana galería Metro.  Alude a la acción de pasar las páginas de las partituras durante la interpretación musical. Las piezas se inspiran en “acordeones” con las partituras de que los pianistas se valen para colocar las hojas extendidas en el atril y así no tener que pasarlas mientras interpretan.

 

 Pérez Ventura vuelve a condensar el movimiento musical pero dando el salto a la producción escultórica. En esta nueva variante la técnica cambia pues la musicalidad de la imagen se consigue a través de horadar la madera o el papel. Es lo que plasma en el políptico de dieciocho piezas surgidas a partir del cuaderno de estudios para piano Op.299 de Carl Czerny, que recrean el dibujo melódico de esa partitura en el mismo lugar que ocupan las notas en dicho pentagrama. La artista sigue derramando el sentir temporal pretendiendo con ello que el espectador no solo lo sienta sino que lo escuche.

 

 El valor estético y espiritual de su producción recuerda la sensibilidad de Kupka para pintar la fuga musical a través de la vía abstracta, las formas curvadas y circulares de los orfistas y simultaneístas, y no menos la lección de Kandinskiana para expresar lo intangible y lo inefable. Pero mientras que Kandinsky se basaba en teorías musicales, la gran aportación de Ana es que lo hace en base a la práctica musical  para condensar lo impermanente. Parte de la convicción de que afecte emocionalmente al que se adentre en esta original, bella y densa exposición de la que saldrán transfigurados.

 

Fátima Otero Bouza

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NOTICIAS LA FASCINANTE HISTORIA DEL CUADRO SIN FIN_SEBAS ANXO

Galería METRO - 15/12/2021

TEJIENDO Y DESTEJIENDO LA CREACIÓN

Mercedes Rozas. Comisaria y crítica de arte.

 

¡La misión del arte no es copiar la naturaleza, sino expresarla!  

¡Tú no eras un vil copista, sino un poeta!

 

Balzac. La obra maestra desconocida.

 

 

En el taller del artista la vida se amontona entre paredes salpicadas de pintura, suelos atiborrados de papeles y cartones, estanterías y mesas con bocetos a medio empezar y otros aparentemente rematados, pinceles, lápices, tijeras… Allí los olores a pegamento, trementina o aceites marcan el tiempo de la obra, son como la clepsidra que da la medida del proceso de ejecución en el que una creación semeja siempre inconclusa, como esperando el imprevisible dominio del azar que definitivamente proponga el desenlace esperado. Ocurre en ese territorio de intimidad la parte más importante y seguramente también la más dolorosa, esos inicios que resultan manifestarse sin que sean llamados: un color, un simple trozo de papel o una línea trazada en el aire, cualquier estímulo para dejar de contemplar ese espacio en blanco tan temido por los pintores. “Los principios son siempre deliciosos, decía Goethe, para añadir que el punto de salida, que él denominaba el umbral de la creación, “es el lugar de la expectación”. De ahí en adelante, todo puede ser.

 

En el proceso mismo de trabajo de Sebas Anxo está la esencia o fundamento para entender que una pieza cambie de un día para otro, que progrese o retroceda, en definitiva que alargue el momento final del acabado, ese trance que a veces se ansía pero no parece llegar nunca. En el relato de Balzac, para  Frenhofer es una agonía que lo confunde, logrando hacer tambalear incluso los pilares elementales de la razón. Diez años trabajando sobre un lienzo en el que tanto François Porbus como Nicolas Pousin, los otros protagonistas de la novela, no logran ver nada. El final de la obra se salda cruzándose con la propia muerte del pintor. Al escritor francés la trama narrativa le sirve de pretexto para apuntar el dilema que a finales del siglo XIX se alza en torno a la modernidad de la pintura. El viejo protagonista de La obra maestra desconocida reacciona ante el peso de la estética conservadora cuando afirma con contundencia que el cometido del arte no es copiar la naturaleza, sino glosarla como un poeta.

 

¿Cuándo se puede decir que una obra está totalmente finiquitada? Quizá, como afirma una gran parte de la teoría estética, solo cuando el resultado que sale del taller se deja observar por otras miradas ajenas al propio creador o creadora. Pero, mientras ese momento no sucede, es en el desarrollo del procedimiento en el que se descubren sendas que van, poco a poco, sumandose a la fiesta, aportando nuevas hechuras que consumarán el perfil de la imagen definitiva. Un pequeño y simple revulsivo material puede dar lugar a esa escena inesperada en la que se funden elementos inusuales o incluso raros entre sí, que conseguirán hacer extraños amigos sobre el soporte.

 

La trayectoria de Sebas Anxo ha estado siempre unida al papel y a las tijeras, pero también a la pintura. No hay superficie creada en la que no deje de ser patente su presencia a través del goteo espontáneo que salpica la superficie con un chorreo imprevisible, liberando al cuadro de su rigidez tradicional. Es posible afirmar que en estas composiciones se rompe con el aspecto de involución al proyectarse con una dimensión expresiva, que, aún sin perder el soplo figurativo, se abre a interpretaciones informalistas abstractas. Lo que confirma que, como aquel personaje atormentado de Balzac, Sebas “no es un vil copista” de la realidad.

 

La estrategia de explorar aunando el papel con la pintura, historiograficamente nos remite a la última etapa de Matisse, aquella en la que el pintor francés confeccionaba en su casa, y en ocasiones desde su propia cama, mundos de colores multiplicados con fragmentos sueltos de papel o cartón. Para el creador gallego es también un modelo la obra en colage de Miró con el que coincide en agrupar recortes dejando los bordes en muchos casos abiertos, libres de cualquier coto formal.

 

Existen, pues, concurrencias con la obra fauvista e igualmente con la que el catalán experimentó en los años treinta del siglo pasado como es la utilización del material troceado que se va ensamblando a medida que las historias funcionan sobre el ámbito espacial de la obra, un proceso en el que el autor deshace hasta desmantelar por completo los componentes que luego volverán a unirse. En ese carácter destructivo, Walter Benjamin no veía “nada duradero”, “pero, decía, por eso mismo, descubre caminos por todas partes”. Cortar, recortar, colocar, recolocar, pegar, pintar… y dejar que en esa dinámica acción, sea la introspección con el factor azar los que guarden el equilibrio. Con todo, su producción, aún revisitando aspectos de la historia del arte de inicios del siglo XX, manifiesta en otras escalas de valores, menos apegadas a la técnica y más al orden conceptual, una cierta cercanía a autores como Chagall, De Kooning, Klee o Basquiat.

 

La fascinante historia del cuadro sin fin es la historia de su pintura, de una obra que ha ido evolucionando hasta encontrar un espacio personal, pergeñado por modelos de una realidad que le rodea y que el artista secciona hasta lograr piezas multiformes y multicolores, creaciones en las que los perfiles figurativos se confunden con números, letras, palabras sueltas y la vitalidad de la pintura. Las composiciones de Sebas Anxo se plantean como en aquel sótano del Aleph que Borges diseñó entre alquimistas y cabalistas, un multum in parvo en el que cabe todo desde seres metamorfoseados en plantas o animales transformados en criaturas imaginarias. En ese ejercicio fantástico, que trasciende a través de distintas realidades oníricas, el surrealismo adquiere cierto empaque de causalidad mágica.

 

Jean Genet visitó con frecuencia el taller de Giacometti, de hecho se entusiasmó de tal forma que hizo de notario emocionado de lo que allí veía y de lo que el propio artista le contaba. Era el lugar de recogimiento en el que el maestro creaba en silencio aquellas figuras esbeltas, de una elegancia espiritual que conmovía. Un territorio íntimo en el que una y otra vez se iniciaba el doloroso momento del inicio. El dramaturgo, contaba, como encontró debajo de una mesa, bajo el polvo de la estancia, “la más bella escultura de Giacometti (…) Cualquier visitante despistado podría haberla roto con el pie, dijo”. Ante su asombro, el escultor respondió: “si es verdaderamente fuerte, se dejará ver. Aunque la esconda”. La anécdota la cuenta maravillosamente bien condimentada el historiador Ángel González García.

 

Sebas Anxo totaliza su lenguaje plástico, partiendo de un campo de acción concreto que es también su propio taller con “paredes salpicadas de pintura, suelos atiborrados de papeles y cartones, estanterías y mesas con bocetos a medio empezar y otros aparentemente rematados, pinceles, lápices, tijeras…”, aquí inicia el proceso, aquí va creciendo la obra, aquí se va tejiendo y destejiendo la creación, henchida de pequeños rescoldos de vida que sin duda en un momento de inflexión se revelarán a la mirada de quien, definitivamente, acabará por concluir la obra: el espectador.

 

 

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NOTICIAS FIESTA EN EL JARDÍN CON CARACOLES. LÚA GÁNDARA

Galería Metro - 11/06/2021

El ABC Cultural publica una entrevista realizada por Javier Díaz Guardiola a Lúa Gándara. Leer más

 

La revista digital de arte contemporáneo Elemmental publica un artículo sobre las "cápsulas audiovisivas" de Lúa Gándara sobre su exposición Fiesta en el jardín con caracoles. Una serie de vídeos dirigidos, escritos, narrados y protagonizados por la artista viguesa (montaje Javi Camino, posproducción Enol Balardo y producción Galería Metro) sobre las obras que forman parte de su primera exposición individual en METRO. Leer más...

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NOTICIAS QUISE SER PERFECTO, QUISE SER MINIMALISTA, PERO TENGO GOTERAS. SUSO BASTERRECHEA

Galería Metro - 16/04/2021

QUISE SER PERFECTO, QUISE SER MINIMALISTA, PERO TENGO GOTERAS en ZigZag Diario

El artista y crítico de arte X. M. Buxán Bran habla sobre el trabajo de Suso Basterrechea en el programa cultural Zig-Zag Diario en Televisión de Galicia, y de su exposición "Quise ser perfecto, quise ser minimalista, pero tengo goteras" en METRO. Leer más...

 

 

Entrevista en ZigZag Diario

El artista ferrolano Suso Basterrechea es entrevistado en el programa cultural Zig-Zag Diario en Televisión de Galicia, en donde habla de su trabajo y de su exposición "Quise ser perfecto, quise ser minimalista, pero tengo goteras" en METRO. Leer más...

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NOTICIAS ARCHIMÉTRICA. Historias de un contínuo renacer. JOSÉ LUÍS SERZO

Galería Metro - 19/02/2021

ARCHIMÉTRICA. Historias de un contínuo renacer en ZigZag Diario

La exposición ARCHIMÉTRICA. Historias de un contínuo renacer de José Luís Serzo, exposición doble comisariada por METRO y la Galería TRINTA aparece en el programa cultural Zig-Zag Diario en Televisión de Galicia. Leer más...

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NOTICIAS PARKING. OLMO BLANCO

Galería Metro - 11/12/2020

PARKING en ZigZag Diario

Olmo Blanco es entrevistado por el programa cultural ZigZag Diario, emitido en Televisión de Galicia, en donde habla sobre su nueva exposición Parking en Galería Metro.  Leer más...

 

 

PARKING en la revista de arte contemporáneo Elemmental

Olmo Blanco es entrevistado por la revista de arte contemporáneo Elemmental, en la que habla de su papel como artista, su obra y su última serie "Parking", expuesta en Galeria Metro. Leer más...

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